Los mejores grupos desde que el rock se volvió parte esencial de la música popular.
Si algo sucede cada año sin falta cuando se acerca la ceremonia de incorporación al Salón de la Fama del Rock & Roll, es que se habla de bandas. Claro, se discute cuáles entran este año, quiénes de esas bandas van a aparecer o tocar, y qué miembros de su historia temprana o más reciente no han sido reconocidos como merecen. Y, obviamente, también se habla de las bandas que aún no han sido homenajeadas, cuáles son las más ignoradas y cuáles parecen destinadas a quedarse siempre fuera. Y, finalmente: ¿Qué bandas que eran inelegibles pronto serán candidatas por primera vez? ¿Y tendrán una posibilidad real de ingresar?
Con la ceremonia de incorporación al Salón de la Fama del Rock & Roll de este año realizada el pasado 9 de noviembre, es un buen momento para echar un vistazo a la historia del rock, desde sus inicios hasta este siglo, y decidir cuáles bandas de rock, según nosotros en Billboard, todavía son el estándar de grandeza. ¿Cuáles de los grandes clásicos del rock aún merecen su lugar en el círculo más selecto del género? ¿Qué artistas más nuevos creemos que deberían estar ahí con ellos? ¿Qué artistas de subgéneros (o nacionalidades) tristemente excluidos creemos que deberían tener más espacio ahora? Y, por último, ¿a quién consideramos el mejor de los mejores?
Intentamos enfocarnos en verdaderas bandas, así que no incluimos grupos vocales (que no tocan la mayoría de sus propios instrumentos) ni bandas cuyo sonido se limita a su vocalista principal. Pero no fuimos demasiado estrictos al definir qué es “rock” más allá de eso. Lee nuestras selecciones, cuéntanos cuáles son tus propios favoritos, ¡y que viva el rock y sus muchos intérpretes ejemplares!
50. Red Hot Chili Peppers
L-R: Anthony Kiedis, Flea, Chad Smith, John Frusciante of Red Hot Chili Peppers on February 1st, 1990.
Michel Linssen/Redferns
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Es fácil ahora, más de 40 años después de su debut y con canciones como “Under the Bridge”, “Scar Tissue” y “Californication” convertidas en clásicos reconfortantes de las emisoras de radio de rock, olvidar lo subversivos y revolucionarios que los Chili Peppers fueron en su momento. Pero la irrupción de la banda en la escena underground del rock en los 80 y principios de los 90 fue como un rayo cargado de sexo, funk, rock potente y una energía cinética difícil de contener, reinterpretando tanto a Funkadelic como a los Sex Pistols, mezclándolos con su propio estilo único de hedonismo californiano. Incluso después de que el líder Anthony Kiedis lograra superar sus problemas de adicción y la banda comenzara a mostrar un lado más suave, el cuarteto siguió siendo prolífico y capaz de reinventarse, convirtiéndose en uno de los grandes grupos en vivo de su época — o cualquier. — DAN RYS
49. The Cure
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Cuando Trent Reznor introdujo a The Cure al Salón de la Fama del Rock en 2019, el líder de Nine Inch Nails dio en el clavo al describir a la agrupación liderada por Robert Smith como “una de las bandas de rock más instantáneamente reconocibles y sonoramente únicas del siglo XX y XXI”. Desde la primera aparición del grupo de goth rock/new wave en una lista de Billboard en 1980 hasta el día de hoy, las canciones atmosféricas, melancólicas e irresistibles de The Cure han aparecido repetidamente en nuestros charts. La banda ha sido citada como influencia por actos que van desde Deftones hasta Lady Gaga y Olivia Rodrigo, e incluso sampleada por el fallecido rapero Lil Peep, lo que demuestra su impacto multigeneracional y multigénero. — ANNA CHAN
48. Sleater-Kinney
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Cuando las veteranas del movimiento riot grrrl Corin Tucker y Carrie Brownstein se unieron para formar un proyecto paralelo llamado Sleater-Kinney en 1994, la alquimia conversacional entre sus guitarras potentes y afiladas — reforzada por el aullido vibrante de Tucker — se convirtió en un antídoto necesario contra la tendencia de la década hacia el pop-punk juvenil. Sin sacrificar la velocidad vertiginosa ni los ganchos pegadizos, álbumes esenciales como Call the Doctor (1996) y Dig Me Out (1997) ofrecieron canciones de tres minutos tan complejos musicalmente como sutiles en sus letras, por no mencionar su conciencia política. La banda expandió gradualmente su paleta sonora hacia un territorio estridente al estilo Led Zeppelin en The Woods (2005), antes de tomarse una pausa y regresar con un rugido lleno de alegría en No Cities to Love (2015). A pesar de la salida de su baterista de toda la vida Janet Weiss en 2019, siguen adelante con fuerza. — JOE LYNCH
47. Def Leppard
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Para su segundo álbum, High ‘n’ Dry, la banda de Sheffield, Inglaterra Def Leppard empezó a afinar el sonido que los definiría como una de las agrupaciones de rock más populares de todos los tiempos. Al trabajar con el productor Mutt Lange, estos británicos mezclaron el hard rock con el pop y el new wave, pero lo más importante fueron sus enormes ganchos: riffs de guitarra limpios y potentes junto con el rugido inconfundible de Joe Elliott. Esta combinación rompió récords para bandas de hard rock: Hysteria de 1987 sigue siendo uno de los álbumes más exitosos de todos los tiempos, sin importar el género, mientras que “Pour Some Sugar On Me” se ha convertido en el himno por excelencia de los clubes de striptease. — MELINDA NEWMAN
46. Oasis
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Sin la masiva gira de reunión Live ’25, quizás el mundo habría seguido bajo la (equivocada) impresión de que Oasis era solo un fenómeno británico que vino y se fue en los años 90. Pero lo que descubrimos este verano es que, a nivel mundial, los fans seguían anhelando la inconfundible y cruda voz de Liam Gallagher y los himnos de rock de Noel Gallagher, tan enérgicos y fáciles de cantar. Y que la banda, una vez más unida como hermanos, se disfrutaba mejor balanceándose del brazo, empapados por una lluvia de cerveza y con un sombrero de pescador. Básicamente aprendimos que el mundo nunca dejó de necesitar a Oasis. — KATIE ATKINSON
45. The Stooges
(L-R): Iggy Pop, pianist Scott Thurston, and guitarist James Williamson of The Stoogers perform at Max’s Kansas City, New York, 31st July 1973.
Linda D. Robbins/Getty Images
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De los pocos grupos que pueden reclamar realmente el título de “la primera banda punk”, ninguno tuvo la ferocidad libidinosa de los Stooges. El comportamiento transgresor de su líder Iggy Pop en el escenario (vomitar, cortarse la piel, desnudarse por completo, untarse de mantequilla de maní) generaba titulares y horrorizaba a la audiencia, pero no había nada de trucos en su voz, que podía sonar desgarradora, petulante, peligrosa, seductora y apocalíptica en una sola canción. Esa voz como de perro del infierno, combinada con el sonido atávico de la banda — una mezcla primitiva de blues, garage rock y ruido experimental golpeada con furia por los hermanos Ron y Scott Asheton, mejor destilada en Fun House (1970) — es lo que los llevó de la infamia a la inmortalidad. Una banda que ha sido imitada muchas veces, pero nunca superada. — J.L.
44. Café Tacvba
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Si hay una banda que encarna la reinvención, esa es Café Tacvba. Desde su álbum debut homónimo en 1992, estos inconformistas de Ciudad de México han expandido las fronteras musicales como nadie, creando un sonido que conecta tradición y experimentación. Su disco revolucionario Re (1994) incorporó jaranas y melodeón a su paleta sonora, mezclando folclore mexicano con rock, bolero y norteño. Desde la nostálgica “Eres” y la movida “El baile y el salón”, hasta sus interpretaciones llenas de alma de “Cómo te extraño mi amor” de Leo Dan y “Déjate caer” de Los Tres, Cafeta rinde homenaje a los grandes de América Latina con una originalidad audaz. Ya sea colaborando con violinistas virtuosos o entregando una explosiva sesión en MTV Unplugged, la creatividad sin límites de la banda los ha convertido en una fuerza incomparable en la historia del rock en español. — ISABELA RAYGOZA
43. No Doubt
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No Doubt no tuvo un gran impacto con su álbum debut de 1992, pero Tragic Kingdom (1995), que pasó nueve semanas en el No. 1 del Billboard 200, lanzó a la banda al estrellato y le dio a las chicas jóvenes una reina fuerte y glamorosa de pop-punk-ska en la figura de Gwen Stefani. El explosivo primer sencillo “Just a Girl”, que es considerado un himno feminista, llegó al No. 23 del Hot 100, mientras que la balada de desamor “Don’t Speak” dominó la lista Radio Songs durante unas impresionantes 16 semanas. La música de No Doubt ha perdurado a pesar de los altibajos de la banda, influyendo en artistas como Olivia Rodrigo y convirtiéndose en un clásico de karaoke. La agrupación, que a menudo se ha reinventado, parece estar sintiéndose “Hella Good” últimamente; tras reunirse en 2024 para tocar en Coachella, tiene una residencia programada para 2026 en el Sphere de Las Vegas. — A.C.
42. Earth, Wind & Fire
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“Tuve una visión, y en mi cabeza sonaba música que quería sacar al mundo”, contó en una ocasión Maurice White, fundador de Earth, Wind & Fire, en una entrevista con Billboard, describiendo la poderosa mezcla de R&B, rock, pop, jazz, funk y gospel que dio vida a éxitos como “Shining Star”, “After the Love Is Gone” y el clásico que siempre pone a todos a bailar, “September”. El signo astrológico de White (Sagitario) inspiró el nombre único de la banda, pero su sonido rico en ritmos nació de la colaboración de White con su hermano menor Verdine, el vocalista principal Philip Bailey y más de dos docenas de músicos de primer nivel que han tocado con EWF a lo largo de más de cinco décadas. Maurice White falleció en 2016. Earth, Wind & Fire fue incorporada al Salón de la Fama del Rock and Roll cuatro años después. — THOM DUFFY
41. The Band
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Para cuando llegaron sus dos primeros álbumes, ahora clásicos, en 1968 y 1969, los músicos que conformaban The Band ya tenían una década de experiencia en la carretera, primero como acompañantes del astro de rockabilly Ronnie Hawkins bajo el nombre The Hawks, y luego respaldando a Bob Dylan cuando “se volvió eléctrico” para su gira mundial en 1966. Pero fue al adoptar el nombre The Band que estos cuatro multiinstrumentistas canadienses — Robbie Robertson, Rick Danko, Richard Manuel y Garth Hudson — junto con el baterista y vocalista de Arkansas Levon Helm — crearon la plantilla de lo que se convertiría en la música Americana, una rica mezcla de country, rock, R&B y soul. La versión original de esta combinación nunca ha sido superada. — T.D.
40. Blondie
American punk rock band Blondie, 1979. Clockwise from top left: guitarist Chris Stein, singer Debbie Harry, bass player Nigel Harrison, drummer Clem Burke, guitarist Frank Infante and keyboard player Jimmy Destri.
Maureen Donaldson/Getty Images
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Canalizando la energía desenfrenada del punk en melodías pop vibrantes inspiradas en el Brill Building, Blondie — liderado por Debbie Harry y Chris Stein — se catapultó desde el mítico CBGB a la cima del Hot 100 gracias, en gran parte, a la habilidad de Harry para alternar entre el punk desafiante y la voz cristalina de una sirena, con la imperturbable serenidad de James Dean y el guiño cómplice de una pintura de Roy Lichtenstein. Blondie no se conformó con simplemente cerrar la brecha entre los grupos femeninos y el punk; sus incursiones únicas en el disco (“Heart of Glass”), el reggae (“The Tide Is High”), el dance-rock (“Atomic”) e incluso el hip hop (“Rapture”) ayudaron a derribar los muros sonoros en una época marcada por la rigidez de los géneros. — J.L.
39. Green Day
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Green Day comenzó como unos adolescentes rebeldes que compartían escena con bandas como Operation Ivy y Pansy Division en el mítico club punk DIY 924 Gilman St. en Berkeley, California. Pero cuando el trío de pop-punk empezó a inundar las radios con sus hits profundamente pegajosos y descarados, el local les dio la espalda. A pesar de eso, Green Day, que fusionó su espíritu punk con la maestría compositiva de grandes de los 60 como los Beatles y The Who, siempre estuvo destinado a cosas más grandes. Desde Dookie, su exitoso debut con una gran discográfica en 1994, la banda se ha convertido en sinónimo del rock alternativo en la radio, acumulando 13 éxitos No. 1 y 40 entradas en el chart Alternative Airplay, cifras comparables con las de Red Hot Chili Peppers y Foo Fighters. Pero esos artistas no grabaron una ópera rock política que capturara el espíritu de una generación, y mucho menos la convirtieron en un éxito de Broadway. — ERIC RENNER BROWN
38. Santana
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Los riffs de guitarra icónicos son prácticamente un requisito indispensable para cualquier banda de rock legendaria, y los de Santana no solo son icónicos, sino que constantemente se reinventan para crear nuevos éxitos, muchos de ellos en géneros que surgieron mucho después del debut homónimo de la banda en 1969, el cual alcanzó el puesto No. 4 en el Billboard 200. La banda ganadora de nueve premios Grammy, liderada por el legendario guitarrista Carlos Santana, cuenta con cuatro álbumes No. 1 en el Billboard 200 y dos sencillos No. 1 en el Hot 100 a lo largo de cuatro décadas, lo que subraya la atemporalidad de su mezcla única de rock latino, rock psicodélico y jazz fusión. A pesar de los numerosos cambios en su formación, su valentía musical dio vida a éxitos en el Hot 100 a partir de versiones de jazz como “Evil Ways” (1969) hasta colaboraciones de R&B como “Maria Maria” junto a The Product G&B, ampliando los límites sonoros del rock. — KYLE DENIS
37. Thin Lizzy
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Desde Dublín, Irlanda, Thin Lizzy irrumpió en la escena a mediados de los años 70 con un ataque de guitarras gemelas y el carisma inigualable e impetuoso de su líder, Phil Lynott. Como una de las bandas más contundentes y memorables que pisaron suelo estadounidense, los himnos de Thin Lizzy eran bulliciosos, románticos e impredecibles, rebosantes de la emoción y la posibilidad de una noche de fiesta con amigos que podía ser inolvidable o acabar en la cárcel (o ambas cosas). Su llama ardió demasiado fuerte para durar mucho tiempo — y Lynott falleció trágicamente en 1986 con solo 36 años — pero mientras existan bares y rocolas, estos chicos de mirada salvaje siempre estarán presentes. — ANDREW UNTERBERGER
36. Ramones
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En los 70, cuando el rock se volvió virtuoso, temáticamente complejo y en general más grande, los Ramones aparecieron en la escena con chaquetas de cuero, jeans rotos y canciones de tres acordes sobre chicas, películas de terror, inhalar pegamento y peleas que resonaban en el aire y golpeaban a los oyentes como una piedra lanzada con una honda. Ninguna banda hizo más por definir el estilo punk — riffs al estilo Chuck Berry con la alegría de los grupos femeninos, interpretados con actitud y desenfreno— y también el look, que los Ramones. Como la montaña rusa Cyclone de Coney Island, el viaje no es suave (ni para los pusilánimes), pero es un viaje vertiginoso y estimulante, una experiencia para vivir el momento, pero hecho para perdurar. — J.L.
35. Eagles
(L-R) Don Henley, Joe Walsh, Bernie Leadon, Glenn Frey, Randy Meisner of the rock band “Eagles” pose for a portrait icirca 1976.
Michael Ochs Archives/Getty Images
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Con los Eagles, todo gira en torno a las canciones. La calidad y la variedad de sus temas, desde la tierna balada “Desperado” hasta el rock potente “Life in the Fast Lane”, hicieron a la agrupación legendaria. Linda Ronstadt reclutó a los cuatro miembros originales para su propia banda antes de que ellos decidieran formar la suya en 1971. Más allá de las canciones, sus estadísticas también son impresionantes: Los Eagles es el único grupo que ha ganado premios Grammy por interpretaciones vocales en pop, rock y country, mientras que su compilación de 1976 Their Greatest Hits 1971-1975, ocupa el No. 1 en la lista de la RIAA de los álbumes más vendidos de todos los tiempos. — PAUL GREIN
34. Nine Inch Nails
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Cuando Pretty Hate Machine (1989) debutó en el Billboard 200, Trent Reznor popularizó el sonido crudo de la música industrial. Ya fuera con el debut del sencillo principal “Down In It” en un chart de Billboard, la investigación del FBI sobre si su video era una película snuff (no lo era), o la icónica y lodosa presentación de NIN en Woodstock 94, la banda demostró que había llegado para innovar y nunca conformarse. Desde entonces, el ícono del country Johnny Cash ha hecho un cover de “Hurt” de The Downward Spiral, mientras que el rapero Lil Nas X y Billy Ray Cyrus samplearon “34 Ghosts IV” para el megahit “Old Town Road”. Por su parte, Reznor y su compañero musical Atticus Ross llevaron su estilo único de música sombría, atmosférica pero bailable a la televisión y el cine, un trabajo que los ha dejado a solo un Tony de alcanzar el estatus EGOT (ganadores de premios Emmy, Grammy, Oscar y Tony), un logro del que muy pocas bandas de rock pueden presumir. — A.C.
33. The White Stripes
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Inspirándose en el garage rock, el blues, el punk y el panteón de los grandes guitarristas que vinieron antes, Jack y Meg White despojaron la esencia de estas influencias hasta su forma más cruda, minimalista y potente en los seis álbumes de estudio que crearon como dúo. Entre la lista de clásicos de The White Stripes, “Seven Nation Army” de 2003 ya forma parte del tejido cultural global, utilizado como un himno de poder y desafío coreado en eventos deportivos y manifestaciones políticas por igual. Mientras tanto, sus conciertos rebosaban intensidad, creando una generación de seguidores que aún conservan la esperanza de una futura gira de reunión. — KATIE BAIN
32. Aerosmith
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Aerosmith, formada en Boston a principios de los 70 y autora de algunos de los éxitos de rock más icónicos de esa década, había perdido relevancia para 1986. Eso cambió cuando los líderes de la banda, Steven Tyler y Joe Perry, participaron en el remake de Run-D.M.C. de su éxito de 1977 “Walk This Way”. Esa colaboración revolucionaria entre rap y rock fue un gran éxito y marcó el inicio de un regreso que llevó a Aerosmith a nuevos niveles de popularidad a finales de los 80 y principios de los 90. Sorprendentemente, la banda alcanzó su pico comercial en 1998 cuando “I Don’t Want to Miss a Thing”, escrita por Diane Warren para la película Armageddon, se convirtió en su primer y único sencillo en llegar al No. 1 del Hot 100. Es el único de los ocho éxitos top 10 de Aerosmith que Steven Tyler no escribió o coescribió. — P.G.
31. Paramore
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Desde crear a una generación de devotos del pop-rock con sus éxitos tempranos (como “Misery Business” de 2007) hasta inspirar a una nueva ola de estrellas del pop de la generación actual (Billie Eilish, Olivia Rodrigo, etc.) y seguir liderando las listas de Billboard (el álbum This Is Why de 2023 alcanzó el No. 1 en las listas Rock Albums y Alternative Albums), pocas bandas han sido tan fundamentales para la transición del rock entre diferentes eras de consumo como Paramore. Con la poderosa y versátil voz de Hayley Williams, Paramore lleva dos décadas moldeando los mundos del rock y el pop a su antojo. Ya sea resolviendo conflictos internos de la banda a través de composiciones ingeniosas o mezclando las influencias gospel de sus raíces en Franklin, Tennessee, en hits del Hot 100 (como “Ain’t It Fun” de 2014), Paramore es una banda hecha para la gente. — K.D.
30. Pearl Jam
Dave Abbruzzese, Stone Gossard, Eddie Vedder, Mike McCready and Jeff Ament of Pearl Jam at Pinkpop Festival, Landgraaf, Holland, on August 6th, 1992.
Gie Knaeps/Getty Images
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Pearl Jam representa, en pocas palabras, la perseverancia. Nacidos de las cenizas de los pioneros del grunge Green River y los glam rockers de Seattle Mother Love Bone, sus integrantes ya habían pasado por tragedias y caos cuando el surfista de San Diego Eddie Vedder se unió como líder en 1990. Su álbum debut Ten catapultó a la banda al estrellato al año siguiente, de una manera que hizo que cada uno de los miembros se sintiera profundamente incómodo y creando una rivalidad artificial entre la banda de Vedder y Kurt Cobain de Nirvana. Su reacción fue volverse más introspectivos, tratar de evitar el estilo de vida de estrellas de rock, lo que resultó en una serie de álbumes que consolidaron a Pearl Jam como una de las mejores, más consistentes e inspiradoras agrupaciones de rock de los últimos 30 años.
Una máquina imparable de giras que se enfrentó a la autoridad imperante (incluyendo a Ticketmaster y la Guerra de Irak) en cada oportunidad, Pearl Jam también fue pionera en el modelo de fan club, generando una lealtad profunda entre sus seguidores que la industria todavía busca replicar. Después de más de tres décadas, Pearl Jam sigue siendo igual de auténtica que en sus primeros discos, habiendo perseverado a través de todo. — D.R.
29. R.E.M.
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Pocas bandas fueron tan buenas y audaces durante tanto tiempo como R.E.M., que pasó de ser un referente del rock universitario en los 80 a convertirse en héroes del rock alternativo de las grandes discográficas a principios de los 90, para luego consolidarse como veteranos experimentales antes de su disolución en 2011. Ninguno de los contemporáneos de R.E.M. lo hizo como este cuarteto de Athens, Georgia, que tomó influencias de actos comoThe Byrds y Television, añadiendo un toque de Southern Gothic para crear un sonido singular y propio. Cada etapa de la banda tiene sus seguidores, pero lo más impresionante es la amplitud y profundidad de su catálogo: clásicos tempranos como Murmur y Lifes Rich Pageant definieron el indie rock de los 80 e inspiraron a sucesores como Nirvana y Pavement, mientras que álbumes posteriores como Green, el ganador del Grammy Out of Time, y su obra maestra Automatic for the People llevaron a la banda a un público masivo y a los primeros lugares del Hot 100. — E.R.B.
28. The Allman Brothers Band
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Considerada una de las principales precursoras del rock sureño, si no la principal, The Allman Brothers Band fusionó sin miedo blues, rock, country e incluso jazz, con una habilidad musical impresionante, principalmente gracias a los virtuosos Duane Allman y Dickey Betts. Pocas bandas son reconocidas por haber iniciado su propio género — y para ser justos, ABB tuvo ayuda de grupos afines como Lynyrd Skynyrd, Marshall Tucker Band y Charlie Daniels Band — pero sus clásicos del rock como “Ramblin’ Man”, “Whipping Post” y “Midnight Rider” definen totalmente el sonido que dominó los años 70 y que ellos ayudaron a impulsar. — M.N.
27. Parliament/Funkadelic
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Liderado por el inigualable George Clinton, Parliament-Funkadelic ostenta uno de los argumentos más sólidos para ser considerado el “mejor colectivo musical de todos los tiempos”. Durante más de medio siglo, decenas de músicos se unieron bajo el paraguas de P-Funk para revolucionar la música con fusiones alucinantes de funk y rock psicodélico. Con un legado que abarca desde la escena doo-wop del Nueva Jersey de los años 50 hasta la participación de Clinton en el álbum To Pimp a Butterfly de Kendrick Lamar, que marcó una década, el enfoque singular de Parliament-Funkadelic ha logrado una mezcla única de soul clásico con elementos de ciencia ficción, afrofuturismo y alta moda, consolidándose como una de las bandas más innovadoras y constantes en la música. — K.D.
26. Pretenders
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Formada en Inglaterra pero liderada por Chrissie Hynde, quien nació en Akron, Ohio, The Pretenders logró capturar lo mejor del new wave de ambos lados del Atlántico: tan ingenioso y contundente como Squeeze o XTC, pero igual de potente y listo para la radio como Blondie o The Cars. Y con Hynde la banda tenía una líder incomparable: profundamente compasiva pero igualmente alérgica a la frivolidad, su voz transmitía una melancolía que nunca amenazaba con convertirse en cinismo, y sus composiciones siempre revelaban a una romántica empedernida, aunque capaz de darte una buena paliza si alguna vez dudabas de lo especial que era. — A.U.
25. Maná
Maná during MTV Video Music Awards Latinoamerica 2002 at Jackie Gleason Theater in Miami, Florida.
Jeff Kravitz/FilmMagic
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Pocas bandas han logrado capturar el corazón del rock en español como Maná, cuyas letras y melodías llenas de sentimiento han conectado con generaciones enteras. Formada en Guadalajara en 1986, su álbum revolucionario ¿Dónde Jugarán Los Niños? (1992) aseguró su lugar en la historia del rock en español. Con canciones como “Corazón espinado” junto a Santana, “Labios compartidos” y “Rayando el sol”, perfeccionaron un sonido que combina anhelo romántico con ambición a nivel de estadios. Más allá de la música, Maná ha luchado por los derechos de los inmigrantes en Estados Unidos y ha alzado la voz por causas globales. Nueve de sus álbumes han entrado en el Billboard 200, incluyendo Amar es Combatir (No. 4) y Drama y Luz (No. 5), consolidando su legado como una de las fuerzas más duraderas del rock. — I.R.
24. The Velvet Underground
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The Velvet Underground solo publicó cuatro álbumes en toda su trayectoria, pero generaciones enteras de rock alternativo y underground tienen su origen en cada uno de ellos. Las hipnóticas vibraciones art-rock de The Velvet Underground & Nico, los frenéticos y surrealistas sonidos de White Light/White Heat, las baladas íntimas de The Velvet Underground y el pegajoso garage rock de Loaded dieron origen a corrientes musicales que aún se sienten en el ADN de innumerables bandas. Y el 99% de ellas ni siquiera se acercará a los originales: cuatro obras maestras de una agrupación cuya capacidad de romper con lo establecido nunca sacrificó los grooves, los riffs o — a su manera singularmente cruda e intransigente — los hooks. — A.U.
23. Guns N’ Roses
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Con su energía arrolladora y un sonido incendiario, Guns N’ Roses llevó el rock al límite con himnos cargados de voltaje y una crudeza sin pulir, mientras abrazaban por completo el caos dentro y fuera del escenario. Formados en Los Ángeles en 1985, irrumpieron con Appetite for Destruction (1987), entregando canciones que definieron una era como “Sweet Child O’ Mine”, “Welcome to the Jungle” y “Paradise City”. Los solos abrasadores de guitarra de Slash junto con la voz explosiva de Axl Rose alimentaron una fuerza visceral e irreverente que transformó el género durante décadas. GN’R encarnó la rebelión y la innovación, asegurando su legado como una de las bandas culturalmente más influyentes (y audaces) en la historia del rock. — I.R.
22. Rage Against the Machine
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“Rage tiene la mejor letra de rock de todos los tiempos”, declaró Ice-T al incorporar a la banda en el Rock Hall en 2023: “F–k you, I won’t do what you tell me!” (J-dete, ¡no haré lo tú que me digas!). La frase de “Killing in the Name”, incluida en su álbum debut de 1992, ha encapsulado la misión de la banda, que el guitarrista Tom Morello destacó como “armar un bien lío” en la lucha contra la avaricia, la injusticia y la opresión. Y Rage ha hecho exactamente eso, no solo entregando canciones de protesta electrizantes — impulsadas por el trabajo experto de guitarra, batería precisa y rimas magistrales del frontman Zach de la Rocha — sino también armando buenos líos, desde interrumpir la Bolsa de Valores de Nueva York y actuar frente a la Convención Nacional Demócrata en protesta en el 2000, hasta tocar en un show benéfico en 2010 y luchar contra la ley antiinmigración SB107 de Arizona. Aunque Rage se separó por tercera vez en 2024, su mensaje sigue siendo más relevante que nunca: “We gotta take the power back” (Tenemos que recuperar el poder). — A.C.
21. Van Halen
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La mejor banda de rock de Pasadena, California, es como un prisma que refracta y refleja otros sabores del género. Van Halen alcanzó la fama rápidamente con su álbum homónimo de 1978, siendo una banda de rock de arenas y de hair metal pionera, y mezclando elementos de metal, prog y glam de una manera única. Todo esto acompañado del estilo histriónico y lleno de actitud de David Lee Roth y los solos de guitarra de Eddie Van Halen, que marcaron generaciones y definieron el género. La banda, por supuesto, también ayudó a crear el modelo clásico de disputas internas en bandas de rock, que eventualmente inspiró todo el concepto de Behind the Music (Detrás de la música). Esto incluyó la famosa sustitución de Roth por Sammy Hagar, quien aportó su propio estilo épico y contribuyó a que cinco álbumes de Van Halen alcanzaran el No. 1 en el Billboard 200 entre 1986 y 1995. — K.B.
20. Radiohead
Ed O’Brien, Jonny Greenwood, Thom Yorke, Colin Greenwood and Phil Selway of Radiohead, pose for a group portrait circa March, 1993 in New York, New York.
Bob Berg/Getty Images
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Surgidos de una escena post-grunge británica a punto de sucumbir al Britpop, Radiohead decidió alejarse de las tendencias dominantes del rock de los 90 y apuntar hacia la eternidad. OK Computer actualizó a Pink Floyd y Velvet Underground para una generación ansiosa antes del cambio de milenio; Kid A elevó el listón del Bowie de la era berlinesa para la era digital; e In Rainbows introdujo a los jóvenes del siglo XXI a los ritmos de King Crimson y la energía de Brian Eno sin cobrarles nada. No sorprende que, generaciones después de su apogeo, Radiohead siga siendo un fenómeno viral sin razón aparente: el quinteto de Oxford se ha arraigado tan profundamente en el ADN del rock del pasado, presente y futuro, que ahora nos pertenece a todos por igual. — A.U.
19. The Beach Boys
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A principios de los años 60, los Beach Boys se convirtieron casi instantáneamente en sinónimo del sur de California, gracias a sus alegres canciones sobre surfing, autos y chicas en la playa. Pero esta banda “familiar” (integrada por los hermanos Brian, Carl y Dennis Wilson, su primo Mike Love y su amigo Al Jardine) tenía mucho más para ofrecer. En pocos años, evolucionaron a obras maestras existenciales como Pet Sounds y la sinfonía experimental de “Good Vibrations”. Incluso vivieron un renacimiento inesperado décadas después, volviendo a sus raíces playeras (y al No. 1 del Hot 100) con “Kokomo” en 1988. A pesar de los bien documentados problemas de abuso de drogas y salud mental de su genial líder Brian Wilson, los Beach Boys dejaron un legado duradero al capturar musicalmente un lugar y una época. Su catálogo sigue brillando como el sol de Redondo Beach. — K.A.
18. The Clash
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Para una de las bandas más emblemáticas del punk rock de la era del 77, lo que realmente define la grandeza de The Clash es la rapidez y el éxito con el que el cuarteto usó ese estilo como trampolín para explorar una de las gamas musicales, sonoras y temáticas más amplias en su época. Para 1981, con su álbum triple Sandinista!, llamarlos punk sería como llamar a Martin Scorsese director de películas de serie B. Pero al igual que Scorsese, por más grande que se hiciera The Clash, nunca perdió ni la crudeza, ni la pasión, ni la intención que los definió desde el primer día. Fueran versiones instrumentales con toques dub de himnos de protesta de la guerra o himnos para corear en estadios sobre la frustración de la indecisión, siempre mereció la pena grabarlos en el corazón, atemporales y auténticos. — A.U.
17. Heart
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Cuando las hermanas Ann y Nancy Wilson, originarias de Seattle, irrumpieron en la escena musical a mediados de los 70, las bandas de rock lideradas por mujeres podían contarse con los dedos de una mano, y ni siquiera hacía falta usar los cinco. No solo abrieron camino a las mujeres en el género, sino que aportaton a un género dominado por la testosterona desenfrenada la mirada femenina, a la vez sensual y mordaz, de canciones como “Magic Man” y “Barracuda”, esta última una crítica directa al sexismo que las Wilson experimentaron en la industria musical. Sin embargo, sería injusto definir a Heart únicamente por los logros de las hermanas Wilson como mujeres en el rock: desde la arrolladora potencia y la delicada belleza bucólica de sus clásicos de los 70 hasta la grandilocuencia de sus injustamente subestimados trabajos de los 80, el dúo ofreció algunas de las mejores interpretaciones de guitarra, voz y narrativas de todo el rock, y aún hoy son capaces de electrizar un karaoke con sus riffs abrasadores y sus escalofriantes notas altas. — K.B.
16. The Grateful Dead
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Ninguna banda ha entrelazado tantos estilos de la música americana como the Grateful Dead, pionera psicodélica que mezcló el rock ‘n roll temprano, blues, folk, country y jazz en un sonido único. El catálogo de estudio de la banda destaca por sus dos álbumes de 1970, Workingman’s Dead y American Beauty, obras maestras cargadas de raíces que siguen siendo referencias para montones de artistas. Pero el verdadero legado de Dead se construyó en el ruedo: desde su formación en 1965 hasta la muerte del cantante y guitarrista Jerry Garcia en 1995, la banda dio más de 2.300 conciertos donde reinventaba e improvisaba constantemente su repertorio. Estos guerreros de la carretera permitieron que su creciente comunidad de fans grabara y distribuyera sus shows, ayudando a ampliar su mito. Décadas después, sus seguidores siguen analizando y comparando su extenso catálogo en vivo, además de buscar las innumerables bandas tributo de Greatful Dead que mantienen vivo su legado. — E.R.B.
15. Talking Heads
Tina Weymouth, Jerry Harrison, Chris Frantz, and David Byrne of the Talking Heads in Bologna, Italy, 1982.
Luciano Viti/Getty Images
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Combinando una peculiaridad artística (tres de los miembros se conocieron en Rhode Island School of Design), una creatividad sin límites y una mezcla de new wave y punk rock, Talking Heads sonaba como nadie más cuando el cuarteto lanzó su álbum debut con Sire Records en 1977. Pero no era solo su música increíblemente imaginativa, liderada por la distintiva y ansiosa voz de David Byrne en canciones como “Burning Down the House”, “Psycho Killer” y “Once in a Lifetime”; también eran los visuales alucinantes y la energía desenfrenada de sus presentaciones en vivo — todo capturado en el eterno concierto filmado por Jonathan Demme, Stop Making Sense — lo que convirtió a Talking Heads en una de las bandas más innovadoras y perdurables de todos los tiempos. — M.N.
14. Creedence Clearwater Revival
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John Fogerty fue, sin duda, el genio detrás de las canciones que llevaron a Creedence Clearwater Revival a la cima como un cometa, además de ser la voz principal que nos regaló esos nueve impresionantes sencillos que llegaron al top 10 del Hot 100 entre 1968 y 1970, incluyendo cinco hits que alcanzaron el No. 2. Pero Fogerty no lo hizo todo solo: esos clásicos fueron grabados en el estudio (y tocados en Woodstock el 17 de agosto de 1969, en el pico de la popularidad de la banda) junto a Tom Fogerty en la guitarra rítmica, Stu Cook en el bajo y Doug Clifford en la batería. ¿Quieres prueba del poder musical de este cuarteto? Escucha su versión de “I Heard It Through The Grapevine” en el álbum Cosmo’s Factory, una improvisación profunda, oscura y conmovedora de 11 minutos. — T.D.
13. AC/DC
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Para quienes estén listos para rockear, buena suerte intentando igualar las alturas bombásticas de los solos y los gritos que siempre han parecido salirle tan naturalmente a AC/DC. Durante cinco décadas y más de una docena de cambios importantes en su alineación — incluyendo la muerte del cantante Bon Scott y la introducción del nuevo vocalista Brian Johnson entre sus dos álbumes más vendidos, Highway to Hell (1979) y Back in Black (1980) — el grupo de rock australiano, liderado por los hermanos Malcolm y Angus Young, de alguna manera se mantuvo sorprendentemente consistente, entregando clásicos poderosos cuyos títulos invocan al instante sus coros para cantar a gritos (“Back in Black”, “Highway to Hell”, “Thunderstruck”, “TNT”, “Hells Bells”…). No es sorpresa que School of Rock haya elevado a la banda como un símbolo del género, desde el número final de la película de 2003, “It’s a Long Way to the Top (If You Want to Rock ‘n’ Roll)”, hasta el uniforme escolar de Jack Black. AC/DC, en todas sus muchas encarnaciones, siempre ha sido la esencia del rock and roll. — K.A.
12. Metallica
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Para mucha gente, Metallica es el epítome del rock: sin filtros, excesivos, viviendo al límite y con el volumen al máximo. Desde sus virtuosos y vertiginosos comienzos como exponentes del speed thrash en los 80, pasando por el giro decididamente más comercial y melódico que dieron en los 90, hasta la fusión orquestal de géneros de sus últimos años, lo han hecho todo, lo han vivido todo y lo han rockeado todo. Entre sus contemporáneos, Metallica se convirtió en sinónimo de metal, con álbumes como Master of Puppets y …And Justice For All rompiendo barreras y filtrándose en la conciencia popular. Para cuando llegó The Black Album en 1991 — y su inquietante canción de cuna “Enter Sandman” como la más destacada — ya eran leyendas por derecho propio, inventando nuevas formas de abordar el género mientras mantenían intacto su estilo afilado y desafiante. Es casi imposible encontrar otra banda que haya trascendido tanto género como la geografía para convertirse en un fenómeno realmente global sin abandonar sus raíces de metal de nicho, al tiempo que sigue siendo una fuerza a tener en cuenta. — D.R.
11. The Who
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A diferencia de muchas bandas británicas de pop y rock que surgieron en los años 60 y 70, The Who no tenía nada de educado o refinado: era pura energía cruda. Desde la batería descontrolada del fallecido Keith Moon, hasta la guitarra agresiva de Pete Townshend y el aullido vocal de Roger Daltrey en canciones como “Baba O’Riley” y “Won’t Get Fooled Again”, la banda tenía un toque salvaje que se combinaba con un fuerte sentido melódico. Sin embargo, The Who también es recordada por álbumes conceptuales como su obra maestra de 1969, Tommy, sobre un mago de pinball sordo, ciego y mudo. Escrita por Townshend, esta obra es reconocida por llevar la ópera rock al mainstream y claramente influyó en proyectos como The Wall de Pink Floyd y American Idiot de Green Day. — M.N.
10. Nirvana
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Durante unos dos años y medio, desde el lanzamiento de Nevermind en septiembre de 1991, que cambió por completo las reglas del juego, hasta la muerte de su líder Kurt Cobain en abril de 1994 a los 27 años, el trío de Seattle lideró la escena del rock. Esto hace aún más impresionante que Cobain y sus compañeros de banda, Krist Novoselic y Dave Grohl, fueran verdaderos amantes del punk, inspirándose mucho más en referentes indie como Sonic Youth, Pixies y Meat Puppets que en cualquier banda mainstream que los precedió antes de que Nirvana tomara por asalto el movimiento alternativo. Esa contradicción fue lo que los separó del resto de la escena grunge en ese entonces y lo que ha garantizado su relevancia incluso tres décadas después. También lo hizo el brillante talento de Cobain para componer canciones: si quitas la distorsión — como lo hizo Nirvana en su despedida no intencionada, MTV Unplugged In New York — se revelan algunas de las mejores canciones de rock jamás escritas. — E.R.B.
9. Black Sabbath
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En un sentido bíblico, se podría dividir la historia del rock en dos épocas: antes y después de Black Sabbath. Surgida de Birmingham como un monstruo salido de una historia de Lovecraft, la banda trajo una pesadez amenazante a la música popular, haciendo que todo lo demás sonara prácticamente cursi. Ahora, con más de medio siglo de existencia, canciones como “Black Sabbath”, “Iron Man” y “War Pigs” transformaron el ADN del género, introduciendo a toda una generación a deliciosos mundos sonoros oscuros y abriendo las puertas del infierno del que saldrían el metal, el grunge, el industrial y otros subgéneros subterráneos. — K.B.
8. Sly & The Family Stone
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Si alguna vez existió una banda estadounidense por excelencia, esa es Sly and the Family Stone. No solo la banda liderada por Sly Stone contó con una de las primeras formaciones racialmente integradas y mixtas del país, sino que, además, esta agrupación — que alcanzó el No. 1 en la lista Billboard 200 — hizo de la denuncia pública a través de la música la esencia misma de su identidad. En tan solo 15 años, lanzó 10 discos memorables: Stand! (1969) perfeccionó su inconfundible mezcla de soul psicodélico y funk rock en una colección de ocho canciones llena de esperanza, y el mordaz There’s a Riot’ Goin On (1971) capturó la efervescente militancia del entonces naciente Movimiento del Poder Negro. Con tres éxitos en el Hot 100 y un premio Grammy a la Trayectoria, la influencia de Sly and the Family Stone se puede apreciar en artistas tan dispares como Brandy y Primal Scream, ya que su magistral enfoque en la instrumentación, interpretación, arreglos y composición reescribió las reglas del juego del pop estadounidense, y el mundo entero sigue estudiando sus versos. — K.D.
7. U2
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A principios de los 80, U2 retomó los elementos de la primera ola del punk británico y los transformó en algo que encajaba a la perfección en los grandes estadios: intenso y con conciencia, pero potente y profundamente conmovedor. El rotundo éxito del cuarteto en su intento por conquistar el corazón de Estados Unidos en los 80 los dejó algo perdidos al final de la década, así que se reinventaron en la Europa de los 90 como conceptualistas post-todo, diversificando sus riffs y su mensaje, y componiendo canciones cuyo latido seguía resonando con claridad a través de todas las capas de ironía. Y cuando U2 Mk. 2 llegó a su fin a principios del nuevo siglo, aterrizaron de nuevo en Estados Unidos justo a tiempo para ofrecer los himnos de perseverancia que ayudaron al país a superar uno de los períodos más oscuros de su historia — porque, veinte años después, todavía no había ninguna banda que pudiera igualar a U2 a la hora de llenar los espacios vacíos. — A.U.
6. Fleetwood Mac
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Aunque Fleetwood Mac se formó en 1967 con Mick Fleetwood y John McVie (seguido por la incorporación de Christine, la entonces esposa de John, en 1970), la alineación principal se consolidó en 1974 cuando Stevie Nicks y Lindsey Buckingham se unieron al grupo, marcando el inicio de décadas de éxitos cautivadores, armonías complejas… y un drama interpersonal bastante intenso. Pero el bien documentado caos romántico de esta banda británica-estadounidense — rupturas, reconciliaciones, romances entre sus miembros — no solo fue material para los tabloides; fue la chispa creativa que impulsó su enorme carrera tanto a nivel crítico como comercial, destacada por cuatro álbumes que llegaron al No. 1 en el Billboard 200 y nueve éxitos que entraron al top 10 del Hot 100.
¿Su proyecto más atractivo de todos? El disco ganador del Grammy al álbum del año Rumours, que ha vendido unas 40 millones de copias desde su lanzamiento en 1977 y reflejó con claridad las perspectivas personales de cada miembro en ese momento, con canciones sobre infidelidad (“You Make Loving Fun”), negación (“I Don’t Want to Know”), dejarlo todo atrás (“Go Your Own Way”) y fortaleza (“The Chain”). También incluyó el único No. 1 de Fleetwood Mac en el Hot 100, “Dreams”, que reafirmó el legado atemporal de la banda cuando volvió a entrar en las listas en 2020 gracias a un video viral de TikTok en el que un patinador bebía jugo de arándano. Pese a toda la turbulencia que la banda enfrentó a lo largo de los años, esto solo la convirtió en una fuerza del pop-rock más interesante, más compleja y, en definitiva, más resistente. — K.A.
5. Queen
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Un secreto del éxito duradero de Queen es que los cuatro miembros de la banda escribieron individualmente éxitos masivos y atemporales. Freddie Mercury, uno de los cantantes principales más carismáticos de la historia del rock, escribió “Bohemian Rhapsody”, “We Are the Champions” y “Crazy Little Thing Called Love”. Brian May aportó “We Will Rock You”. John Deacon nos dio “Another One Bites the Dust”. Roger Taylor escribió “Radio Ga-Ga”, que inspiró el nombre de cierta superestrella que ni siquiera había nacido cuando esa canción salió en 1984. El incomparable Mercury fue diagnosticado con sida en 1987 y falleció cuatro años después. La película Bohemian Rhapsody de 2018, que se centró en su historia, es el biopic musical más taquillero de la historia, demostrando cómo el impacto del grupo y su música persisten como pocos otros grupos del siglo XX. — P.G.
4. Pink Floyd
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Formad a mediados de los 60 en Londres, Pink Floyd no inventó el rock psicodélico ni progresivo, pero sí llevó esos estilos más lejos que nunca, casi hasta el espacio. La banda compuesta por David Gilmour, Roger Waters, Nick Mason, Richard Wright y el fugaz pero eternamente influyente “diamante loco” Syd Barrett hacía música que era como una experiencia sensorial: llena de texturas, espacios y, a veces, tan extraña como un viaje de ácido. Exploraba aún más esos impulsos creativos usando sintetizadores y otras tecnologías novedosas de la época. Pero Pink Floyd no solo te hacía volar por cómo sonaba, sino también por lo que decía. Su importancia duradera se debe a la fusión entre la grandeza material de sus grabaciones y la profundidad y el impacto de su filosofía.
Sus 15 álbumes de estudio, lanzados entre 1967 y 2014 — y especialmente la increíble seguidilla de su época dorada: Dark Side of the Moon (1973), Wish You Were Here (1975), Animals (1977) y The Wall (1979) — abordaron temas tan grandes como el autoritarismo, todo con el característico humor inglés del grupo (“¡cómo vas a comer postre si no te comes la carne!”). También exploraron la melancolía y el anhelo, la inevitable pérdida de la inocencia y el dilema existencial de cambiar un papel secundario en la guerra por un rol principal en una jaula. Aunque ha pasado medio siglo desde la época de mayor auge de Pink Floyd, su combinación de sonido y concepto se ha vuelto atemporal: los pósteres de Dark Side of the Moon siguen colgados orgullosamente en las paredes de dormitorios universitarios, representando no solo un gusto musical, sino una filosofía de vida. — K.B.
3. Led Zeppelin
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Para muchos, nunca ha habido una banda de rock más grande que Led Zeppelin. Este cuarteto marcó nuevos estándares en cuanto a la magnitud de las giras, la duración de las canciones y las ventas de álbumes, pero también en términos de iconografía y mitología. Se volvió tan enorme que, para su cuarto álbum, se presentaba con símbolos en lugar de palabras. Tenía su propio avión. Hizo que los vikingos y los hobbits fueran cool. Nunca lanzó su canción más famosa como sencillo. Sus hazañas fuera del escenario son tan legendarias que incluso las que nunca ocurrieron son más épicas que las de sus contemporáneos que sí sucedieron. Se volvió tan sinónimo del concepto de “rock clásico” que da la sensación de que se llamaría de otro modo si la banda nunca hubiera existido.
Para muchos otros, tampoco podría haber una banda de rock mejor que Led Zeppelin. El virtuosismo colectivo del cuarteto parecía emanar de una fuerza superior; atribuirlo a lo sobrenatural tenía más sentido que creer que estos tipos — que supuestamente crearon uno de sus temas más emblemáticos con el propósito expreso de que fuera demasiado difícil de tocar para otras bandas — simplemente se encontraron. Su música tenía una química comparable a la de los Knicks de los 70, y sus canciones podían electrizar al público del Madison Square Garden con la misma facilidad. Eran dioses del rock, pero eran generosos con su divinidad e inmortalidad: no importa quién seas, al escuchar un álbum de Led Zeppelin, podrías jurar que tú también vivirías por siempre. — A.U.
2. The Rolling Stones
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Era la tarde del 5 de julio de 1969 en el Hyde Park de Londres, cuando el entonces manager de gira Sam Cutler les dijo a los miles de fans que esperaban que dieran la bienvenida a “la mejor banda de rock and roll del mundo”: los Rolling Stones. Esa introducción se volvió estándar durante la gira norteamericana de la banda en 1969 y se escucha en los momentos iniciales del icónico álbum en vivo de los Stones, Get Yer Ya-Yas Out! de 1970. Con una trayectoria que supera la de cualquier otra agrupación aún activa en esta lista (los Stones lanzaron su primer sencillo, un cover de “Come On” de Chuck Berry, en junio de 1963), los Stones han estado a la altura de esa afirmación desde entonces.
A lo largo de las décadas, la banda ha sobrevivido a la muerte de miembros fundadores (Brian Jones en 1969, Charlie Watts en 2021) y la salida de otros (Mick Jones en 1974, Bill Wyman en 1993), pero el trío legendario de Mick Jagger, Keith Richards y Ronnie Wood, junto con sus excelentes músicos de gira, sigue manteniendo viva una herencia basada en el blues estadounidense, riffs inolvidables, éxitos clásicos y el carisma eterno del mejor frontman del rock. Los Rolling Stones han establecido el estándar con el que se mide a todas las bandas de rock ‘n’ roll desde entonces. Ha colocado 23 éxitos en el top 10 del Billboard Hot 100, de los cuales ocho llegaron al No. 1. Aunque ya no dominan los charts como antes, sus giras en vivo siguen siendo eventos imperdibles: los Stones son la banda de rock más exitosa y con mayores ingresos en los más de 40 años de historia de la lista Billboard Boxscore. — T.D.
1. The Beatles
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¿Los Beatles en el No. 1? Yeah, yeah, yeah, podrías pensar. Pero si John, Paul, George y Ringo no hubieran demostrado las posibilidades creativas y comerciales del rock durante siete años vertiginosos (que produjeron 20 éxitos No. 1 en el Hot 100 y una impresionante racha de 12 álbumes clásicos), es totalmente posible que el rock no se hubiera convertido en la fuerza cultural definitoria de la segunda mitad del siglo XX.
Antes de que Estados Unidos conociera a los Beatles, los expertos de la industria y los adultos frustrados que descartaban el rock como una moda pasajera estaban peligrosamente cerca de tener razón: el terremoto cultural iniciado por Chuck Berry, Bo Diddley, Little Richard, Buddy Holly y Elvis Presley se había calmado, y un ejército de cantantes entusiastas pero en gran medida sin garra amenazaba con ahogar el naciente género en un mar de canciones pop diluidas, vagamente relacionadas con el rock ‘n’ roll.
Y luego llegaron los Fab Four. Combinando la sólida composición de Berry con el desenfreno de Richard, e incorporando melodías pegadizas y enérgicas propias de los grupos femeninos, los Beatles conquistaron Estados Unidos casi de la noche a la mañana. No es solo que inspiraron a prácticamente todos los que vinieron después de ellos — en incontables casos, futuras estrellas nacieron en el momento en que escucharon a los Beatles. Incluso ahora, el frenesí adolescente de la Beatlemanía aún no ha sido igualado (aunque cierta estrella pop recientemente estuvo cerca).
Pero quizás lo más importante es que se negaron a dormirse en los laureles, exigiendo innovación e imaginación con cada nuevo lanzamiento (bueno, al menos desde Help! de 1965). Impulsados por la camaradería competitiva de Lennon y McCartney, los Beatles fueron pioneros en subgéneros y técnicas de estudio, mientras redefinían lo que significaba componer, cantar y tocar rock como una forma legítima de expresión artística.
Así que yeah, yeah, yeah — otra lista con los Beatles en el No. 1. Pero con un legado como el suyo, sabes que es imposible enfadarse. — J.L.
