Nuestra lista de temas interpretados por el Príncipe de las Tinieblas, en solitario y con Black Sabbath.
No hacen falta los 10 dedos — ni siquiera las dos manos — para contar la cantidad de figuras que han tenido un impacto tan grande en la historia del rock como Ozzy Osbourne. Como líder del cuarteto de Birmingham, Inglaterra, Black Sabbath, Osbourne sentó las bases a principios de los años 70 para prácticamente todo lo que hoy conocemos como heavy metal: el sonido, la apariencia, la actitud, y las temáticas. Géneros, subculturas y miniuniversos enteros surgieron de simples secciones de canciones en las primeras obras de Sabbath, con el hombre que llegó a ser conocido como el Príncipe de las Tinieblas sirviendo como un guía igual de aterrador como seductor hacia el nuevo inframundo del rock.
Durante el medio siglo siguiente, Ozzy continuaría llevando el metal a nuevas fronteras. Tras separarse de Sabbath a finales de los 70, se convirtió en una estrella en solitario en los 80, brillando junto a legendarios guitarristas como Randy Rhoads y Zakk Wylde, mientras también apadrinaba a las estrellas emergentes del crossover del metal al mainstream de la década. Luego, a finales de los 90, en el auge del nu-metal, ofreció un punto de encuentro anual para los fanáticos como líder de Ozzfest, el festival itinerante que reunía a lo mejor y más brillante del género en una ciudad cercana, aunque temerosa. Y en el siglo XXI, se convirtió en el embajador del metal para las masas, siendo el mayor ícono de legado del género en todas partes, desde los realities de la TV en horario estelar hasta los exitosos álbumes de Post Malone.
Y a lo largo de todo este camino, hubo grandes canciones — temas que han demostrado ser tan perdurables y atemporales como cualquier canción soul, country o folk de su época, llenando corazones y abarrotando estadios hasta pocas semanas antes de la muerte de Osbourne a los 76 años. En este triste día de su deceso, aquí las 20 mejores canciones de todos los tiempos del Ozzman, según nuestro equipo editorial, combinando su trabajo en solitario con sus días en Black Sabbath.
20
“Close My Eyes Forever” (con Lita Ford)
Este desgarrador dueto es una canción extraña y a la vez totalmente lógica para que perdure como el mayor éxito de Osbourne en la lista Billboard Hot 100. No es la primera canción que cualquier metalero pondría en la rocola del bar o la cuenta regresiva del Día de los Caídos de la radio local, pero sigue siendo una canción de amor conmovedora con la suficiente intensidad como para evitar caer en la cursilería de una power-ballad —Lita Ford todavía piensa que es genial, ¿y quién eres tú para cuestionarla?—, a la vez que demuestra que, aunque Ozzy siempre sería sinónimo de la clase media estadounidense exasperante, también tenía fuerza como estrella pop. — ANDREW UNTERBERGER
19
“Ordinary Man” (con Elton John) (Ordinary Man, 2020)
Este conmovedor dueto con Elton John es una meditación tardía sobre la mortalidad de las estrellas de rock, interpretada por dos leyendas de extremos opuestos del espectro pop (y con Watt, el productor de la nueva escuela con un don para sacar lo mejor de los veteranos del rock, ayudando a armonizar sus voces). Escuchar a Ozzy cantar un verso como “He hecho llorar a mamá, no sé por qué sigo vivo/ Sí, la verdad es que no quiero morir como un hombre común”, resulta especialmente conmovedor tras su fallecimiento, pero la conciencia de “Ordinary Man” también sonó conmovedora tras su lanzamiento. — JASON LIPSHUTZ
18
“Children of the Grave” (Master of Reality, 1971)
“Children of the Grave” se destaca como un grito de guerra por el cambio. Combinando riffs ominosos y contundentes con una letra socialmente comprometida, los acordes potentes y profundos de Tony Iommi se combinan con las implacables líneas de bajo de Geezer Butler y la batería tribal de Bill Ward para crear un ritmo oscuro e hipnótico. Mientras tanto, la voz evocadora de Ozzy Osbourne transmite un mensaje de esperanza ante el caos. En una época en la que los jóvenes lidiaban con las incertidumbres de la Guerra de Vietnam y la agitación social, “Children of the Grave” instó a la siguiente generación a alzarse, rechazar la apatía y luchar por un mundo mejor: un conmovedor llamado a las armas disfrazado de fatalidad apocalíptica. — ISABELA RAYGOZA
17
“Over the Mountain” (Diary of a Madman, 1981)
El tema que abre el segundo álbum en solitario de Osbourne arranca sin perder tiempo, lanzándose de inmediato a un redoble de batería trepidante y un riff de Randy Rhoads que suena como si estuviera cabreado por haber sido interrumpido a mitad de un trago. “Los oí decirme que esta tierra de sueños era ahora/ Les dije que había cabalgado sobre estrellas fugaces y les dije que les enseñaría cómo”, proclama Ozzy en el coro, dejando en ridículo a los detractores que pensaron que no podría mantener el ritmo de su fulgurante debut en solitario. — A.U.
16
“Snowblind” (Vol. 4, 1972)
Prácticamente se puede ver el blanco que rodea el riff de guitarra difuso y el símbolo borroso se estrella. Claro que no es la precipitación lo que está alterando la percepción de Ozzy en esta canción: después de detallar los “témpanos en mi cerebro” en la primera estrofa, una voz susurra amablemente “Cocaaaaaine…” para quien no lo haya entendido. Pero por muy perdido que se sienta Osbourne en su propia tormenta autoinducida, el impacto del ritmo narcótico de la canción es indudablemente intencional, dándole un toque incómodamente atractivo a sus protestas de “¿No crees que sé lo que hago?”. — A.U.
15
“The Wizard” (Black Sabbath, 1970)
Quizás el uso más impactante de la armónica en la historia del metal, obra del propio Ozzy, quien la toca con la misma arrogancia y picardía que cualquiera de sus acompañantes de seis cuerdas. El resto de la banda también acierta en uno de sus primeros shuffles más funky y contundentes, pero es la forma de tocar de Ozzy la que hace que “The Wizard” sea indeleble en el catálogo de Sabbath, y la que décadas después provocó que artistas tan diversos como Cypress Hill y Enigma la recuperaran con samples. — A.U.
14
“Suicide Solution” (Blizzard of Ozz, 1985)
La canción que metió a Ozzy en más problemas que todas las demás, cuando se usó como base para una demanda contra Osbourne y su sello discográfico tras el suicidio de John Daniel McCollum, de 19 años. La demanda era obviamente ridícula —la “solución” que presenta la canción es una evidentemente sardónica de envenenarse lentamente con alcohol, lo que hace que suene apropiadamente infernal— y la inquietante pero embriagadora canción ha sobrevivido a sus problemas legales, ganándose incluso un lugar en el repertorio de despedida de Ozzy, “Back to the Beginning”. — A.U.
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13
“N.I.B.” (Paranoid, 1970)
Osbourne espera hasta la tercera estrofa de “N.I.B.” para revelar que canta desde la perspectiva de Lucifer, intentando absorber el alma de su protagonista mediante promesas de una nueva vida y un amor infinito (léase: maligno). Para ello, el clásico de Black Sabbath hipnotiza al oyente con una guitarra fulgurante, un bajo con un toque funky y una voz que se vuelve aullante en el momento justo. Puede que “N.I.B.” no sea la canción más icónica del álbum debut homónimo de Black Sabbath de 1970, pero quizás fue el mejor presagio del rango sonoro de la banda en los años venideros. — J. Lipshutz
12
“Shot in the Dark” (The Ultimate Sin, 1986)
Es bien sabido que a Osbourne no le gustaba mucho esta canción, que sin embargo supo aprovechar el momento fusionando su metal tradicional con el glam rock angelino popular en 1986, año en que se lanzó el tema y el álbum del que proviene, The Ultimate Sin. Si bien el himno de rock de estadio se omitiría notablemente en las compilaciones posteriores de Osbourne, sigue siendo una de las favoritas de los fans y muestra a Osbourne inclinado hacia una interpretación vocal más pegadiza y melódica que en trabajos anteriores, mientras que todo se desarrolla en un solo de guitarra impactante y muy ochentero de Jake E. Lee. Anticipando sus éxitos radiales de finales de los 80 y principios de los 90, “Shot In the Dark” fue el primer solo de Osbourne en llegar al Hot 100, donde permaneció nueve semanas en la primavera de 1986, alcanzando el puesto No. 68. — KATIE BAIN
11
“Mr. Crowley” (Blizzard of Ozz, 1980)
Comenzando con un solo de teclado de Don Airey que da nuevo significado a la palabra “fúnebre” y terminando con un despegue de guitarra de Randy Rhoads, considerado uno de los mejores solos de la historia del rock, “Mr. Crowley” es un himno tan singular como cualquier otro en el Ozzverso. Sin embargo, entre estos imponentes solos, Osbourne se asegura de que la canción siga siendo suya, ante todo, con una ácida oda a su predecesor, el Príncipe de las Tinieblas, el ocultista Aleister Crowley, incluyendo giros líricos deliciosamente exclusivos de Ozzy como “Sr. Encantador/ ¿Pensaste que eras puro?/ Sr. Alarmante/ En sintonía nocturna”. — A.U.
10
“Sweet Leaf” (Master of Reality, 1971)
Después de prácticamente inventar el metal con sus dos primeros álbumes, Black Sabbath sentó las bases del stoner rock con este éxito de 1971, incluido en su álbum debut Master of Reality. Comenzando con una tos en bucle de Tony Iommi fumando un porro, “Sweet Leaf” es lo suficientemente pesada como para hacerte mover la cabeza, pero lo suficientemente fangosa como para que incluso los oyentes más fumados puedan seguirla. Tiene sentido que la banda grabara esta canción en el mismo estado de euforia que Osbourne desata con un tono entrañable, sincero, descarado e hipnótico. — JOE LYNCH
9
“Mama, I’m Coming Home” (No More Tears, 1991)
Los 90 vieron el amanecer de un Ozzy con un enfoque más sutil con su álbum de 1991 No More Tears. Y en ningún otro lugar se expresaron los sentimientos con mayor intensidad que en el segundo sencillo del álbum, “Mama, I’m Coming Home”, que, por supuesto, no trata sobre la madre biológica de Osbourne, sino sobre su esposa, Sharon. Equilibrando una balada potente y vibrante con una delicadeza pastoral al estilo de Zeppelin III, la canción fue escrita en pocas horas junto a Lemmy de Motörhead y sigue siendo el sencillo en solitario de Osbourne con mayor éxito en los charts, permaneciendo 17 semanas en Hot 100 y alcanzando el puesto No. 28. En un momento decisivo para presentar al rockero al público más joven a través de MTV, la canción se mantuvo como un clásico en los conciertos de Osbourne durante décadas. — K.B.
8
“Sabbath Bloody Sabbath” (Sabbath Bloody Sabbath, 1973)
Pocas canciones en el catálogo de Ozzy Osbourne combinaron lo pesado con lo melódico tan bien como “Sabbath Bloody Sabbath”, que invirtió la fórmula del rock con versos estruendosos de guitarras desgarradoras y batería apocalíptica que dieron paso a un suave coro acústico, tan bello como para ser la base de una versión posterior de los pop-rockeros suecos The Cardigans. Pero, por supuesto, tanto el verso como el estribillo resultan ser un mero preludio para el clímax desgarrador, la amenaza musical más retumbante jamás producida por la banda, con Ozzy aullando sobre guitarras tectónicas: “¡Sabbath, maldito Sabbath!/ ¡Nada más que hacer!/ ¡Vivir solo para morir!/ ¡Morir solo por ti!”. — A.U.
7
“No More Tears” (No More Tears, 1991)
No a todos los críticos les gustó el puente de esta canción, que se impone a mitad de la épica de siete minutos y medio. ¡Que se jo–n! Entrelazando sintetizadores, cuerdas, piano y sensibilidades que abarcan el rock progresivo, el grunge, lo orquestal y un toque de El Fantasma de la Ópera, esta sección finalmente se abre como un amanecer de hard rock, preparando el escenario para el asombroso solo de Zakk Wylde, posiblemente uno de los mejores de todos los tiempos. El propio Osbourne dijo que consideraba esta canción que da título a su álbum de 1991 “un regalo de Dios”. Quizás ahora tenga la oportunidad de agradecerlo personalmente. — K.B.
6
“Paranoid” (Paranoid, 1970)
Una frenética declaración de inquietud existencial, “Paranoid” catapultó en los 70 a Black Sabbath a la vanguardia del heavy metal, ofreciendo al mismo tiempo un contrapunto más oscuro y crudo al optimismo del movimiento hippie. Los riffs agudísimos y los ritmos implacables de la canción impulsan su urgencia esbelta y sin florituras, mientras que el bajo acechante y la voz suplicante de Ozzy Osbourne capturan el aislamiento y la ansiedad de su época: “¿Puedes ayudarme a ocupar mi cerebro?”, grita Ozzy amenazantemente. Escrita durante una era de turbulencia cultural, “Paranoid” alcanzó el No. 61 en el Hot 100 y se convirtió en un himno generacional para la alienación y la desilusión. Su perdurable atractivo es evidente en innumerables películas, como Dazed and Confused, Almost Famous y Suicide Squad, y la canción sigue siendo una perenne del streaming, habiendo acumulado más de 1.000 millones de reproducciones en Spotify. — I.R.
5
“Bark at the Moon” (Bark at the Moon, 1983)
La canción que da título al álbum de Osbourne de 1983 ofreció a los fans una narrativa desgarradora sobre un hombre asesinado que regresa para aterrorizar a sus torturadores, a la altura de un eterno solo de Jake E. Lee que sigue atormentando a los héroes de la guitarra (y Guitar Heroes) hasta el día de hoy. Pero quizás igual de importante, “Bark at the Moon” fue la primera incursión del Príncipe de las Tinieblas en los videos musicales. Ozzy interpreta al científico loco perfecto, bebiendo una poción que lo convierte en una criatura con colmillos, similar a un hombre lobo, que no puede ser restringida, ni por camisa de fuerza ni por ataúd. Para un hombre cuya teatralidad precedió a la era de MTV, la muy esperada contribución visual de Ozzy cumplió con creces, con una guitarra abrasadora y una historia inquietante. — CHRISTINE WERTHMAN
4
“Black Sabbath” (Black Sabbath, 1970)
Quizás inspirado en Bo Diddley (quien abrió nuevos caminos para el rock con la canción de 1955 “Bo Diddley” de su álbum homónimo), la canción que da título al disco homónimo de Black Sabbath es una presentación sorprendentemente coherente y completa a una banda que no sonaba como nada de lo que la precedió. Claro, algunas agrupaciones de psicodelia y blues se habían vuelto pesadas y lúgubres, pero esto era muerte, decadencia y desesperación destiladas en seis minutos desgarradores. Incluso con un vocalista diferente, una canción como esta habría estremecido al público hasta la médula, pero se necesitó el tono, el timbre y la teatralidad únicos de Ozzy para hacer una canción tan funeraria y aterradora; es decir, si no te importa la música que suena como un lento e ineludible descenso al infierno. Llevándonos desde una escena satánica (“¿Qué es esto que está frente a mí/ Figura de negro que me señala?”) hasta una súplica desgarrada por su alma (“¡Oh, por favor, Dios, ayúdame!”), Ozzy suena como un desafortunado Edgar Allan Poe que cobra vida y luego, con la misma rapidez, se apaga. — J. Lynch
3
“Iron Man” (Paranoid, 1970)
Un relato monolítico de ciencia ficción sobre traición y venganza, “Iron Man” se erige como una de las creaciones más perdurables e influyentes de Black Sabbath, combinando una narrativa distópica con su característico estruendo sónico. Con su riff atronador, uno de los más icónicos de la historia del rock, la canción construye una marcha implacable de poder aplastante y tensión inquietante. El bajo y la batería palpitantes amplifican la sensación de furia imparable de la canción, mientras que la voz distorsionada de Ozzy Osbourne narra la historia de una figura viajera en el tiempo convertida en un destructor vengativo: “Botas pesadas de plomo/ Llena a sus víctimas de pavor”. Como éxito crossover, alcanzó el No. 52 en el Hot 100 en 1972, el sencillo de la banda con la posición más alta en los charts, y consolidó su lugar no solo como un himno que definió el género, sino también como una piedra de toque cultural. Más de cinco décadas después, “Iron Man” sigue siendo una obra maestra del metal, una marcha sónica implacable capaz de hacer temblar las paredes. — I.R.
2
“Crazy Train” (Blizzard of Ozz, 1980)
“¡TODOS A BOOOOOOOORDO!”, ruge Ozzy, riendo maniáticamente como un conductor trastornado en un tren de ida al infierno, en su sencillo debut en solitario de 1980. El riff de guitarra más que icónico rechina tan fuerte que puedes ver las chispas, y aunque Osbourne iguala la energía, se contiene lo suficiente como para dejar que la letra sobre la locura de la Guerra Fría brille. “Una locura, pero así es como va/ Millones de personas viviendo como enemigos”, reflexiona. Aunque la canción tenía la intención de hablar de esa era en particular, el sentimiento sigue siendo atemporal mientras el mundo continúa atravesando el caos. Sin embargo, en medio del caos, incluso Ozzy encuentra un momento para sentirse esperanzado: “Tal vez no sea demasiado tarde/ Para aprender a amar y olvidar cómo odiar”. — C.W.
1
“War Pigs/Luke’s Wall” (Paranoid, 1970)
Si puedes perdonar la rima de “masas” con “masas”, “War Pigs” es posiblemente la mejor canción de metal de todos los tiempos, y quizá también la mejor melodía antibélica. Poder, propaganda, política, brujería, religión, moralidad, asesinato: la primera canción de la obra maestra de Black Sabbath, Paranoid, abarca mucho terreno, y sin menospreciar la precisa batería de Bill Ward, la agudísima guitarra de Tony Iommi y el bajo fundamental de Geezer Butler, Ozzy Osbourne es el corazón palpitante y atormentado de “War Pigs”.
Para una canción que ha sido versionada tantas veces como esta —nada fácil, para empezar, dada la complejidad instrumental de sus ocho minutos de duración— es imposible imaginar a otro vocalista transmitiendo la ira, la confusión y la frustrante impotencia que sienten quienes observan el rugido de la maquinaria bélica desde la distancia, sin forma de detenerla. Para un número no insignificante de personas que se enfrentaron a la muerte antes, durante y después de que Sabbath lanzara esta canción a principios de 1970, el verso final debería seguir siendo tan escalofriante como relevante: “Día del Juicio, Dios está llamando/ De rodillas, los cerdos de guerra arrastrándose/ Implorando misericordia por sus pecados/ Satanás, riendo, extiende sus alas”. — J. Lynch
